Movimiento Art and Crafts y William Morris. (Arte).

 

                     ¿Qué es el Movimiento Art And Crafts?.

El Movimiento Art And Crafts (Artes y Oficios) nació de los ideales, la preocupación de los efectos de la industrialización en el diseño, el saber y la vida cotidiana. Su máximo representante el artista y escultor británico William Morris tomo el nombre de Las Arts And Crafts Exhibitión Society fundada en año 1887 en Londres.

Las Arts And Crafts Exhibitión Society fue creada en 1888, pero sus orígenes se remontan al sentimiento negativo generado por la Gran Exposición de 1851.

Aparte de William Morris otros de sus máximos representantes fueron Charles Robert Ashbee y Philip Webb.

El Movimiento Art And Crafts se ocupa de arquitectura y artes decorativas como por ejemplo papel pintado, muebles, cerámicas, joyas, etc.

Este movimiento abrió las puertas al arte Nouveau de Europa en el cual destacaron Le Corbusier y Walter Gropius, entre otros

https://es.gallerix.ru/pedia/history-of-art--arts-and-crafts/

                                               William Morris.

William Morris nace el 24 de Marzo de 1838 en Walthamstow, Reino Unido.

Arquitecto, diseñador, maestro textil, novelista, poeta y traductor.

Hijo de William Morris Sr y Emma Shelton. Tuvo 10 hermanos, de los cuales 2 murieron en la infancia.

Se educo en Marlboorough y en la Exeter College de Oxford.

En 1856 trabajo en la oficina de Oxford de GE Street, con un arquitecto renacentista gótico. Durante ese año financio los 12 números mensuales de ¨The Oxford  And Cambridge Magazine¨ donde publico varios de sus poemas.

En 1859 se caso con Jane Burden, con la que tuvo dos hijos Jenny y May Morris

Morris encargo a Philip Webb (arquitecto) que construyera una casa para el y su esposa. Se llamo ¨La Casa Roja¨ porque iba a ser construida con ladrillo rojo. Al principio fue una casa de estructura grandiosa sin adornos. Morris con ayuda de unos amigos amueblaron y decoraron ¨La Casa Roja¨ entre otras cosas con alfombras rojas, tapices rojos, etc.

                                                       

En  1861 fundo un gremio de bellas artes y artesanía junto a Edward Burne- Jones, el pintor Ford Madox Brown  y Dante Rossetti. Esta asociación se convirtió en la firma  Morris, Marshall, Faulkner & Co.

En la Exposición internacional de 1862, el grupo exhibió vidrieras y muebles que fueron encargados posteriormente para decorar varias iglesias.

Entre los trabajos de Morris encontramos:

1. ¨La defensa de Ginebra¨ (1858). (Poema).
2. ¨La bella Isolda¨. (1858) . (Cuadro).
3. ¨La Casa Roja¨  ( 1860)  ( Diseño de papel tapiz ,William Morris).
4. ¨Oakwood Hall¨ (1864). (Bingley , West Yorkshire). (Arquitectura).
5. ¨Tapiz Pájaros carpinteros¨. (1885). (Diseño).

Willian Morris muere el 3 de Octubre de 1896  en Hammersmith, Inglaterra.

                                               

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Ofelia. John Everett Millais. (Arte)

                                ¿Qué es Ofelia?.

Es un cuadro del pintor e ilustrador ingles John Everett Millais. Realizado en 1852.Esun oleo sobre lienzo con unas medidas de 76 x 112 cm.  Pertenece al estilo Prerrafaelismo.Se encuentra ubicado en el Museo Teten Britain de Londres, Reino Unido.

La obra es un homenaje al personaje de Ofelia de la obra de William Shakespeare ¨Hamlet.  Mas concretamente en el acto IV, escena VII , en el que la reina Gertrudis  nos narra como será la muerte de Ofelia.

La joven estaba en el campo recogiendo flores, se subió a la rama de un árbol para agarrar una flor, la rama se rompió y Ofelia se cayo a un rio donde muere ahogada.

                                    Análisis de Ofelia¨.

Millais realizo esta obra en dos etapas separadas. Primero pinto el paisaje y posteriormente realizo la figura de la joven Ofelia.

Representa el momento en que Ofelia muere ahogada.

Lo que mas llama la atención de la obra aparte del personaje, es la naturaleza. Es un ecosistema pictórico. Todas estas flores y plantas tienen una clave simbólica relacionada con la historia de Ofelia.
Ofelia lleva colgado en el cuello un collar de violetas que vienen a significar la desgracia, la muerte. En el agua se ven  flores flotando como pensamientos como el amor vano, las margaritas simbolizan la inocencia.
Ofelia tiene la boca y los ojos entreabiertos como si fuera su ultimo aliento en la vida.
El color que mas abunda en el cuadro es el verde en un tono muy saturado.

La modelo que usa Everett Millais para el personaje de Öfelia¨ es Elizabeth Sidal, una joven de 18 años que trabajaba en una sombrerería, tenia una gran melena pelirroja. Seria modelo de varios pintores para sus cuadros.

El hundimiento de Ofelia lo han representado varios artistas, como por ejemplo Eugene Delacroix en su obra ¨Muerte de Ofelia¨ (1843), durante los siglos XVIII, XIX y XX, pero Millais fue el primero en representar la muerte de Ofelia.

https://mymodernmet.com/es/john-everett-millais-ofelia/

                                                         

                             ¿Quién era Millais?.

John Everett Millais nace el 8 de Junio de de 1829 en Southampton, Reino Unido.

Pintor e Ilustrador.

Su familia era originaria de la isla de Jersey, una dependencia de la Corona británica, ubicada en el Canal de la Mancha al oeste de las costas de Normandía y Francia.

Con 4 años Everett Millais ya pintaba, se consideraba que tenia un talento poco común.

A los siete años se mudo con su familia a Londres.

Con once años estudio en la escuela ¨Royal Academy¨. 

En 1848 funda junto a William Holman Hunt y Dante Gabriel Rosseti, a quienes conoció en la ¨Royal Academy¨, la ¨Hermandad Prerrafaelita.

 

                                ¿Qué es el Prerrafaelismo?.

La Hermandad Prerrafaelita fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses.

Estos pintores rechazaban el academismo que se recibía en aquel entonces. Ellos pensaban que el arte que se hacia desde el Siglo XVII era una copia, un estilo renacentista sin significado de lo que había sido.

El Prerrafaelismo es el movimiento pictórico que representan.

La pintura Prerrafaelita  esta basada en cuatro aspectos: 

• Basar la obra en una idea genuina.
• Observar la naturaleza y adquirir el conocimiento necesario para expresar la idea.
• Empatizar con estilos pictóricos pasados, salvando solo lo autentico.
• Buscar seriamente la excelencia tecnica de la pintura.

                     Obras de John Everett Millais.

Entre ellas encontramos títulos como:

• ¨Ofelia¨. (1851-1852).
• ¨El rescate¨. (1855).
• ¨Hojas de otoño¨. (1856).
• ¨Juana de Arco¨. (1865).

Entre sus ilustraciones mas importantes se encuentran las de los poemas de Sir Alfred Tennyson.

Everett Millais muere el 13 de Agosto de 1896, a los 67 años, de cáncer de laringe.

                                              

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4 de Julio (USA).

                                                         4 de Julio.

El 4 de Julio es la fiesta mas importante de Estados Unidos.

El 4 de Julio de 1776 Estados Unidos firmo un tratado de independencia de Reino Unido.

Este tratado de independencia fue preparado por un comité de cinco personas siendo los principales Thomas Jefferson, John Adams y Benjamin Franklin.

Posteriormente John Adams y Thomas Jefferson serian presidentes de Estados Unidos. John Adams fue el segundo presidente de Estados Unidos durante el 4 de Marzo de 1791 al 4 de Marzo de 1801. Mientras que Thomas Jefferson fue el 3er presidente de Estados Unidos durante el 4 de Marzo de 1801 hasta el 4 de Marzo de 1809.

Todo comenzó en la Guerra de la Independencia , en un conflicto que enfrentó a las trece colonias británicas originales en América del Norte contra el reino de Gran Bretaña. Esto ocurrió durante los años 1775 y 1783 finalizando con la derrota británica en la batalla de Yorktown y la firma del Tratado de Paris.

El 2 de Julio de 1776 el congreso continental voto a favor de la Independencia, dos días mas tarde delegados de las Trece Colonias adoptan la Declaración de la Independencia.

                                         

                                               Como se celebra el 4 de Julio.

Para esta fiesta tan impòrtante de Estados Unidos hay varias formas de celebrarlas.

En varios estados del pais hay festivales de música, de comida, como por ejemplo en Washington DC.

También  hay desfiles del 4 de Julio.

Y para acabar la fiesta por todo lo alto son los fuegos artificiales. Que se hacen en varios parques de diferentes estados del país.

                                        Que se come el 4 de Julio.

En el 4 de Julio al ser una fiesta norteamericana  nada mejor que comer hamburguesas, perros calientes, barbacoas.

                                       Vestimenta.

No es obligatorio pero algunas personas suelen llevar ropa que tengan que ver con este dia, ya sea una camiseta con la bandera de Estados Unidos, o con fuegos artificiales. O un gorro bien patriótico.

https://www.agmeducation.com/blog/dia-de-la-independencia-en-usa-que-se-celebra-el-4-de-julio-agm-educacion/

                                El 4 de Julio llevado al cine y a la música.

Hay muchas películas  que han usado el 4 de Julio como tema. Algunas de ellas son :

¨Glory¨. (1989) .Dirigida por Edward Zwick e interpretada por Matthew Broderick, Denzel Washington y Morgan Freeman

¨Nacido el 4 de Julio¨. (1989). Dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Tom Cruise.

¨Dia de la Independencia . (1996). Esta película dirigida por Roland Emmerich y protagonizada entre otros por Will Smith. La trama de la película cuenta como los norteamericanos se defienden de los alienígenas. Esta película tendrá otra secuela, ¨Dia de la Independencia 2¨ (2016) que vuelve a dirigirla Roland Emmerich y cuenta con las actuaciones de Jeff Goldblum y Bill Pullman.

¨El patriota: (2000) Dirigida por Roland Emmerich y protagonizada por Mel Gibson y Heath Ledger.

Hay algunas canciones que los norteamericanos suelen escuchar el 4 de julio que hacen referencia a la fecha como: 

¨Born In USA¨   De Bruce Springsteen.

¨America The Beautiful¨de Ray Charles.

¨Living In America¨ De James Brown.

                                          

                                            

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Marie Curie y la radioactividad.

                      Marie Curie, primera mujer en ganar el Premio Nobel.

 Marie Curie aparte de ser la primera mujer que ganó el Premio Nobel en dos oportunidades, fue la primera catedrática de la Universidad de Soborna de París.

                                               Marie Curie y  los Premios Nobel.

El primer Premio Nobel que le fue otorgado a Marie Curie fe el Premio Nobel de Física en 1903. Un Nobel compartido por Pierre Curie y Henri Becquerel ( físico francés).

Este Premio Nobel de Física fue por sus investigaciones sobre la Radiactividad. Años después Marie descubrió que la radioterapia podría ser un tratamiento contra el cáncer. Estos estudios hicieron que Marie le concedieran en el año 1911 el  Premio Nobel de Química . Pudo haberlo perdido, ya que salió a la luz un escándalo amoroso de Marie, algo que se escapa a los intereses científicos. Hubieron personas que le recomendaron que renunciara al reconocimiento, pero tambien quienes le aconsejaron que lo aceptara como Albert Einstein. Al final Marie aceptó el reconocimiento y fue a la ceremonia de entrega en Estocolmo. Este segundo Premio Nobel fue sobre las investigaciones de la radiactividad.

                          

                                        Marie Curie y la radioactividad.

En 1897 Marie Curie decidió elegir el tema de la radiactividad como tema para su tesis doctoral.

La radiactividad fue descubierta por Henri Becquerel en un laboratorio cercano al de Marie  en el año 1896, mientras realizaba investigaciones sobre la fluorescencia del sulfato doble de uranio y potasio. Tras ser expuestas a la luz del sol  emiten una radiación que consiguió atravesar gruesos papeles negros

Marie llamó a ese fenómeno radioactividad. Descubrió que hay otros elementos como el Polonio y el Radio tenían radiactividad. El matrimonio Curie trabajaron en conjunto y descubrieron dos elementos mucho más radioactivos que el Uranio, los llamaron Polonium por parte de Marie y Radio. El Radio que podía emitir algo de luz se volvió en un gran éxito comercial, ya que muchos oportunistas aprovecharon para decir que tenía todo tipo de propiedades curativas, aunque en realidad era muy peligroso.

 La radioactividad que le había llevado a la fama a la fisica, tambien acabo con la vida de ella, Marie Curie falleció en 1934 de anemia aplásica, probablemente por los daños asociados a haber estado muy expuesta al radio.

https://www.latercera.com/que-pasa/noticia/la-radioactividad-estara-por-siglos-en-los-cuadernos-de-marie-curie/729580/

                          

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La Proposición. Judith Leyster. (Arte).

                            ¿Qué es la Proposición?.

 La Proposición (en ingles ¨The Propisition¨) es un cuadro realizado por la pintora holandesa Judith Leyster en el año 1631. Es un oleo sobre tela con unas medidas de 31 x 24 cm. Se encuentra ubicado en el museo Mauritshuis La Haya.

                             ¿Qué elementos encontramos en la obra la Proposición?

La obra es conocida también con el nombre ¨Hombre ofreciendo dinero a una joven¨.

En la obra podemos ver a una mujer cosiendo a la luz de las velas , mientras un hombre se inclina sobre ella y le toca el hombro derecho con la mano izquierda. El le ofrece unas monedas con la mano derecha,  pero ella aparentemente rechaza la oferta y se concentra en la costura.

El hombre va vestido con ropa oscura, en el rostro en el ángulo de la luz de las velas, le dan una apariencia amenazadora. La mujer esta iluminada por completo en la cara por la luz de las velas, va vestida por una blusa blanca. No va vestida de una manera provocativa. El calentador de pies es visible debajo del dobladillo de la falda, era un código pictórico de la época , representaba el estado civil de la mujer. Si el calentador de los pies esta por debajo del dobladillo de la falda indica a una mujer casada , que no esta disponible, como es en el caso de la obra, un calentador de pies que esta hasta la mitad de la falda indica que podría  ser receptiva a un pretendiente masculino y un calentador de pies que no esta por debajo de la falda de la mujer y no tiene brasas  indica que la mujer es soltera.

La mujer no esta representada como una prostituta, sino como una ama de casa

Es una de las obras mas intrigantes de Judith Leyster de su periodo de mayor producción artística.

Por primera vez en la historia de la pintura holandesa la figura femenina no es la portadora del pecado.

Este cuadro ha tenido reinterpretaciones feministas. Estas se originaron en gran parte por la obra de la profesora de Historia del Arte y Diseño Frima Fox Hofrichter quien señaló en 1975 la diferencia entre la pintura de Leyster y otras del genero. Para Hofrichter la mujer del cuadro es una víctima avergonzada  presentada con simpatía y positivismo.

                                              

                                    ¿Quién es Judith Leyster?  

Judith Leyster nace en Harlem, Holanda, el 28 de Julio de 1609.

Octava hija de Jan Willemsz Leyster, un sastre local y posteriormente cervecero.

No se conoce información sobre sus estudios.

En 1633  era un miembro del gremio de pintores de Harlem , fue la primera mujer admitida como profesora.

En 1636 se caso con Jan Miense, un pintor mas prolífico. Se trasladaron a Ámsterdam para mejorar económicamente, ya que allí el mercado del arte era mas estable. Estuvieron en Ámsterdam 11 años. Tuvieron 5 hijos de los cuales solo dos llegaron a la edad adulta. Aunque Jane no era tan buen pintor como Judith el se dedico a pintar, mientras Judith al cuidado de sus cinco hijos. Posteriormente se mudaron a Heemstede una localidad de Holanda. Desde que se casó Judith pinto muy poco, se han encontrado dos ilustraciones sobre tulipanes (1543), un retrato (1652) y una naturaleza muerta (1654).Es probable que Judith hiciera algunas colaboraciones con su esposo Jan Miense. 

Además de los temas de género, también realizo naturalezas muertas y retratos.

Judith murió el 10 de Febrero de 1660 a los 50 años de edad.

                                         Obras de Judith Leyster.

Entre las obras de Judith Leyster se encuentran:

¨Niño riendo con un gato¨.  (1629).

¨Dos músicos¨. (1629).

¨Alegre compañía¨. (1630).

¨¨La  proposición¨.  (1631).

¨El concierto¨. (1633).

                                                              

Campo de relámpagos.

 

                       

                  ¿Qué es Campo de Relámpagos?.

The Lighthing Field, en español el campo de relámpagos, es una obra del escultor norteamericano Walter de Maria. Realizada entre los años 1971-1977, ocupa alrededor de una hectárea, se encuentra en una zona rural y desértica, Catrón Country de Nuevo México.

                            Sobre la obra.

Son 400 postes de acero inoxidable de unos 6 metros de altura clavados en el suelo.

Es una de las obras de arte mas importantes del finales del siglo XX.

Es una belleza el conjunto, los postes puntiagudos sobre un plano horizontal. Si se le añade el espectáculo que origina allí  con los tormentas eléctricas, los postes funcionan como pararrayos.

La Fundación Dia Art que es la que mantiene la instalación, recomienda a los visitantes que permanezcan el mayor tiempo posible viéndola, ya que va cambiando al llegar el atardecer.

Walter de Maria con esta obra consigue unos efectos estéticos chulísimos: por un lado una obra de arte temporal que solo es tal en momentos específicos del día que son el amanecer o el atardecer, por otro lado consigue que la naturaleza en si misma sea una obra de arte en este instante.

Esta obra de arte pertenece al movimiento Land Art que es una corriente de arte contemporáneo  en el que la obra de arte y el paisaje estén entrelazadas. El Land Art  nació en Octubre de 1968, con una exposición en la Dwan Gallery de Nueva York. Su creador fue el artista contemporáneo Robert Smitson. Otros miembros de esta corriente artística fueron : Alice Adams, Walter de Maria, Robert Morris, Ana Mendieta, entre otros.

https://arte.laguia2000.com/vanguardias-artisticas-del-siglo-xx/campo-de-rayos-de-walter-de-maria

                                            

                                                       

                                        

                                   Walter de Maria.

Walter de Maria nace el 1 de Octubre de 1935 en Albany, California, Usa.

Fue un escultor, ilustrador y compositor, además de una de las grandes figuras artísticas del siglo XX.

Estudio Historia y Arte en la Universidad de California durante los años 1935-1939.

En la década de los 60 se traslado a Nueva York, donde realizó sus primeras esculturas de madera y posteriormente trabajo con metal.

En 1966 exhibió su primera muestra individual en Cordler & Ekstrom .

Meses después sus piezas de arte se encuentran en el Museo Judío de Nueva York.

En los años 70 su carrera artística viró hacia las grandes instalaciones del Earth Work , el movimiento que mas reconocimiento le otorgaría.

Walter de Maria fallece el 25 de Julio de 2013 en Los Ángeles, California, 

Walter de Maria trabajo en el arte minimalista, el arte conceptual y el Land Art.

   Entre sus obras mas importantes se encuentran:

¨Campo de Relámpagos¨. (1977) (New México).

¨The New York Earth Room . (1977) (New York).

¨El kilometro vertical de la tierra¨. (1977). (Dia Art Foundatión, Kassel, Alemania).

¨The Broken Kilometer¨. (1979) .     (Dia Art Foundatión, New York City).

                                       

La ronda de noche. Rembrandt. (Arte)

 

                                          Datos de la obra.

Título: La ronda de noche.

Autor: Rembrandt.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Estilo: Barroco.

Año de realización: 1640-1642.

Tamaño: 359 cm x 438 cm.

Localización: Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos.

                                          Sobre la obra.

¨La ronde de noche¨, tambien conocida como ¨La ronda nocturna¨ es uno de los cuadros mas famosos del pintor neerlandes Rembrandt.El lienzo es gigantesco 359 cm x 438 cm. Realizado entre los años 1640-1642. Se encuentra en el Rijksmuseum, Ámsterdam.

El nombre original de la obra era ¨La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg¨. El capitán Frans Banninck Cocq era un alcalde de Amsterdam y el teniente Willem van Ruytenburg  era el teniente del capitán Frans Banninck a mediados del siglo XVII.

En el año 1640 le llegó la oportunidad a Rembrandt la oportunidad de oro, hacer un cuadro para el gran salon de Kloveniersdoelen en el cual se hacian recepciones y espectáculos.

Aunque la obra lleve el nombre noche, en realidad no era de noche, es un error surgido en el siglo 19, el cuadro estaba tan deteriorado t oscurecido por el oxido que sus figuras apenas se distinguían, parecía que la escena era nocturna, sin embargo tras su restauración en el siglo XX se pudo comprobar  que la escena que se veía en el cuadro era de día donde llega un rayo de sol que ilumina a los personajes.

El cuadro en si representa una compañía de soldados arcabuceros se pone en marcha. En la escena aparecen 16 soldados con banderas, mosquetes y tambores. Se observa tambien a tres niños corriendo y a un perro que añadió Rembrandt a la obra para animar la escena. El capitán Frans Bannick Cocq con el brazo extendido hacia adelante  muestra el camino a sus hombres.Luce el tradicional cuello de encaje amplio y fajín rojo, lleva colgada la espada al lado izquierdo pero no empuña ningún arma. En lugar de eso sujeta en la mano derecha un bastón que es un símbolo de su rango militar y unos guantes que indica no que tenga frio, sino que es un burgués acomodado. Rembrandt aparece entre dos personajes a la izquierda de la obra. En el cuadro tambien se puede apreciar una niña representando el símbolo femenino, esta situada en penumbras las sombras no parecen alcanzarlas.

En esta obra estan representadas todas las caracteristicas del barroco, el dibujo esta esbozado , por lo tanto esta disminuido por la importancia del color y la luz, los contornos de las figuras son nítidos , Rembrandt usa el tenebrismo por lo cual hay contrastes entre la penumbra y la luz que viene desde a izquierda.Se ven los tonos cálidos de las tierra.

Hoy en día este cuadro es una obra maestra, pero cuando fue presentada en sociedad tuvo una fría acogida por parte de  la crítica.

https://www.muyhistoria.es/h-moderna/fotos/los-cuadros-mas-famosos-de-rembrandt/la-ronda-de-noche

                                         Rembrandt.

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, mundialmente conocido como Rembrandt, nace el 15 de Julio de 1606 en Leiden, Países Bajos.

Pintor y grabador neerlandes. Considerado uno de los grandes maestros del barroco.

Nació en el seno de una familia acomodada de molineros .

Tuvo una esmerada educación básica y universitaria. Estudio Numeración de las Artes en la Universidad de Leiden durante los años 1620-1621. Tuvo un intenso aprendizaje de seis meses con el tambien pintor Pieter Lastman. Terminado el aprendizaje inauguró su propio estudio en el año 1624 en Leiden. En el año 1627 Rembrandt impartirá clases de pintura. 

En 1629 Rembrandt conoce al estadista Constantijn Huygens que le facilitara algunos encargos de la corte de La Haya. El príncipe  Frederik Hendrik  fue adquiriendo obras de Rembrandt hasta el año 1646. A finales de 1631 Rembrandt se mudó a Ámsterdam donde empezó a trabajar como retratista personal.En el año 1634 se casa con Saskia Van Uylenburgh, hija de un abogado. En 1635 el matrimonio se mudó al elegante barrio de Nieuwe Doelenstraat y en 1639 al barrio judío Jodenbreestraat. El matrimonio tuvo cuatro hijos , Rombertus (1635), Cornelia (1638), Cornelia (otra hija con el mismo nombre que la anterior , 1640) y Titus (1641). De los cuatro hijos solo Titus alcanzó la madurez, los tres anteriores murieron antes de tener 6 meses de vida. en 1641 murió Saskia supuestamente de tuberculosis, al poco de nacer Titus. Contrataron a Geertje Dircx como niñera de Titus, que mas tarde seria amante de Rembrandt.  Los dibujos de Rembrandt de Saskia en su lecho de muerte son muy conmovedoras. De hecho muchos creen que la niña que representa el símbolo femenino en ¨La ronda de noche¨es Saskia. Tiene lógica  si tenemos en cuenta que la obra se realizo entre 1640 y 1642.

A finales de 1640 Rembrandt comenzó una relación con Hendrickje Stoffeldochter quien fue contratada como asistenta doméstica.

Rembrandt vivió por encima de sus posibilidades, invirtiendo en arte, en ocasiones pujando sus propias obras. En 1656 se tomaron ciertas medidas en los juzgados para impedir su declaración de bancarrota.

Hendrickje murió en 1663, Titus en 1668, Rembrandt murió el 4 de Octubre de 1669 en Ámsterdam.

Entre las obras mas importantes de Rembrandt se encuentran:

¨Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp¨. (1632).

¨Dánae¨ (1636).

¨La ronda de noche¨. (1642).

¨Betsabé en su baño¨. (1654).

¨La conspiración de Claudius Civilis¨. (1661-1662).

¨Los oficiales muertos¨. (1662).

¨El retorno del hijo pródigo¨. (1668).

                                 

Casa de la opera de Guangzhou. Zaha Hadid. (Arte)

 

                                              Datos de la obra.

Titulo en ingles: Guangzhou opera house.

Titulo en español: Casa de la opera de Guangzhou.

Arquitecta: Zaha Hadid.

Años de construcción: 2003-2010.

Área del terreno:  42.000 m2.

Área construida: 70.000 m2.

Coste:  Aproximadamente 200.millones de dólares

Constructora: China Construction Third Engineering Bureau Co. Ltd.

Ubicación: Guangzhou, Guangdong, China.

                                          Sobre la obra.

Este edificio fue construido por la arquitecta iraquí Zaha Hadid. Tiene un área de construcción de 70.000 m2 sobre un terreno de 40.000 m2. Se construyo entre los años 2003-2010.  A este proyecto se le conoce por el nombre de ¨dos piedras¨. La idea del proyecto era entrar en armonía  con su entorno junto al rio Pearl, uniendo de esta manera los edificios culturales del sector con las torres de finanzas del barrio Zhujiang, un barrio construido hace pocos años. El material que utilizo Zaha Hadid para la casa de la opera de Guangzhou  fue hormigon, acero y cristal. Se inauguró el 9 de Mayo del 2010.

El auditorio cuenta con 1.800 asientos y la sala multifuncional mas pequeña con un aforo de para 400 espectadores, todo diseñado  con la mas avanzada tecnología acústica. Fue pensado para un lugar de muestras de arte y conciertos.

Es uno de los primeros edificios mas modernos construidos en el siglo XXI.

Si os gusta todo lo que tiene que ver con el arte y la cultural y si tenéis ocasión de visitar la casa de la ópera de Guangzhou os lo recomiendo.Vale la pena, El error seria no visitarlo.

https://www.edgargonzalez.com/2011/08/02/guangzhou-opera-house-zaha-hadid-architects/

                                                             

                                           

                                                  

                                                                     Zaha Hadid.

Zaha Hadid nace el 31 de Julio de 1950 en Bagdad, Irak.

Arquitecta anglo-iraquí .

Hija de un rico industrial de Mosul y su madre tambien pertenecia a una rica familia de Mosul.

Zaha estudió en una escuela de monjas francesas, posteriormente continuo su educación secundaria en Suiza y Gran Bretaña. Regreso a Oriente para estudiar Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut durantes los años 1968-1971. Regreso a Londres para estudiar en la Architectural Association de Londres donde obtuvo su diploma en 1977. Tambien fue profesora en la  ¨                                                            ¨ hasta 1987.

Los diseños de Zaha Hadid soy muy geométricos, estan caracterizados por un sentido de fragmentación, inestabilidad y movimiento. En sus obras son normales las curvas naturales y los movimientos fluidos. Este estilo la llevo a la corriente del deconstructivismo junto a otros artistas como Bernard Tschumi y Frank Gehry entre otros.

El primer proyecto importante de Hadid fue la Estación de Bomberos de Vitra en Weil am Rhein, Alemania (1989-1993).

En el año 2014 se vio envuelta en un escandalo por trabajos forzados donde recibió una demanda por difamación.

Zaha Hadid muere el 31 de Marzo del 2016 en Miami, Florida, Usa.

Entre los edificios mas importantes de Zahda Hadid se encuentran:

El Pabellón Puente . (Zaragoza, España). (2008).

El Galaxy Soho. (Pekín). (2009).

El Maxxi. (Roma). (2010).

La casa de la opera de Guangzhou.  (China). (2010).

Entre los premios otorgados a Zaha Hadid se encuentran:

Premio de arquitectura Erich Schelling. (1994).

Premio Pritzker. (2004). Es la primera mujer en obtener este premio.

                                                  

Autorretrato como alegoria de la pintura. Artemisia Gentileschi.

 

                                          Autorretrato como alegoría de la pintura.

Es un cuadro realizado por la pintora italiana Artemisia Gentileschi entre los años 1636 y 1639.

                                                  Sobre la obra.

 Con unas medidas de 96 x 73 cm, es un óleo sobre lienzo.

Esta obra estuvo en la colección de Carlo I, rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda, fue devuelto a la Royal Collection en la Restauración (1660). En el 2015 se exhibió en la Galería Cumberland en el Palacio Hampton Court. Pertenece al estilo barroco. Es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 96 x 73 cms.

En la obra describimos líneas diagonales que acentúan mas la figura femenina. La luz viene del lado izquierdo, pero la fuente no es visible por lo cual es inusualmente dura. El frente del cuerpo de Gentileschi esta perfectamente iluminado, su espalda está oscura. Apreciamos una mirada de intensa concentración. Un brazo con la manga arremangada, habitual en los pintores de esa época.   

Para este retrato Gentileschi tuvo que usar mínimo dos espejos para poderse ver en esa postura incómoda, con la paleta de colores en una mano y el pincel en la otra.

Artemisia no solo se estaba pintando como artista, sino como la mismísima personificación de la pintura, de ahí viene el nombre del cuadro Autorretrato como alegoría a la pintura.

La obra se encuentra en el Royal Collection de Gran Bretaña

Mi opinión personal.

Me encantan los cuadros de Artemisia. Me costo decidirme cual de sus obras escoger para este entrada.

https://www.artehistoria.com/es/obra/autorretrato-como-alegor%C3%ADa-de-la-pintura

                                

                                

                                        

                                        Artemisia Gentileschi.

Artemisia Gentileschi nace en Roma, Italia. el 8 de Julio de 1593.

Pintora barroca y representante del caravaggismo.

Hija de Orazio Gentileschi y Prudencia Montone. Orazio su padre fue pintor y uno de los grandes representantes de la Escuela Romana de Caravaggio. Artemisia empezó su formación en el taller de su padre. De su padre aprendio la tecnica del dibujo y el naturalismo de las obras de Caravaggio.

Era la cuarta hija del matrimonio, tres varones y ella que era la mayor.

En 1605 muere su madre cuando Artemisia tenía 12 años.

En 1610 firmó su primera obra ¨Susana y los viejos¨que fue una colaboración entre padre e hija,  la obra empezó pintandola su padre y ella posteriormente fue acabando.

Su padre le puso un profesor Agostino Tassi, En Mayo de 1611 Tassi la violo, Al principio prometió que se casaría con ella, Posteriormente se supo que Tassi era casado, además de que quiso robarle algunas obras de arte a Orazio Gentileschi. Orazio lo denunció en Marzo de 1612 ante el Tribunale Criminale de Gobernatore de Roma. El juicio duro siete meses. Artemisia tuvo que hacerse un examen ginecológico que demostrara que había sido violada. Con respecto a Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio.

Entre los años 1612- 1613 Artemisia hizo la obra ¨Judith decapitando a Holofernes¨. Una obra muy violenta que ha sido interpretada en clave psicologica y psicoanalitica como una venganza hacia la violencia que habia sufrido.          

El 29 de Noviembre de 1612 se casó con un pintor florentino Pierantonio de Vicenzo Sttiatessi, un matrimonio arreglado por el padre de Artemisia.

Artemisia y su marido se instalaron en Florencia. Ella fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo de Florencia). Tuvo muy buenas relaciones con artistas mas respetados de su tiempo entre ellos con Galileo Galilei y Buonarroti , sobrino de Miguel Angel.

 Artemisia y su marido tuvieron 5 hijos, cuatro chicos y una chica, La niña se llamaba Prudencia y solo ella llegó a la edad adulta.  El matrimonio gastaba mucho dinero, tanto ella como el, tuvieron problemas con los acreedores. Regreso ella a Roma con su hija Prudencia y dos sirvientes en 1621.

Al llegar a Roma en 1621 Artemisia se separó de su marido. Pese a su reputación artística y las buenas relaciones que tenía Artemisia Roma no fue tan lucrativa como ella esperaba por ello entre 1626-1627 se trasladó a Venecia .

En 1630 se trasladó a Nápoles que para ese entonces era una ciudad rica con talleres y amantes del arte.

Nápoles para Artemisia fue como su segunda patria. Durante el periodo napolitano algunos de sus trabajos fueron:¨Cleopatra¨(1633),  ¨Nacimiento de San Juan Bautista¨(1635), ¨David y Betsabé (1636-1638).

En 1638 Artemisia se reúne con su padre en Londres en la corte de Carlos I de Inglaterra.  a este rey le encantaba el arte y Orazio se convirtió en un pintor cortesano. El padre y la hija una vez más estaban trabajando juntos . A este periodo pertenece Äutorretrato como alegoría a la pintura¨ (1638-1639) al que hoy le dedico esta entrada.Orazio muere repentinamente en 1639 cuidado por su hija.

Artemisia regresa a Nápoles en 1642 . Algunas de sus obras de este periodos son: una nueva versión de ¨Susana y los viejos¨ (1649) y ¨Virgen con niño y un rosario¨ (1651)

Artemisia muere en Nápoles en el año 1654

Las obras de Artemisia fueron codiciadas por grandes líderes de la época como Cosme II de Medici en Florencia, Felipe IV en Madrid, Carlos I de Inglaterra por mencionar algunos.

Artemisia es una de las mujeres artistas que han quedado olvidadas en el arte.

                                                                     

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Torre Calatrava. Santiago Calatrava. (Arte)

 

                                                  Datos de la obra.

Título: Torre de comunicaciones de Montjuic.

Arquitecto: Santiago Calatrava.

Años de construcción: 1989-1992.

Altura: 136 metros.

Ubicación: Barcelona, España.

                                               Sobre la obra.

La Torre Calatrava, conocida tambien como Torre de comunicaciones de Montjuic fue construida por el arquitecto e ingeniero valenciano Santiago Calatrava durante los años 1989-1992. Tiene una altura de 136 metros. Al principio fue creada para servicios de radio y telecomunicación móvil, más tarde pasaría a ser una torre decorativa. También se le conoce como la Torre de Telefónica, ya que fue la empresa Telefónica la que se hizo cargo de los gastos de la construcción de la torre.

Forma parte de la llamada ¨Anilla Olímpica¨ así se les llama a las construcciones que se hicieron como motivo de los Juegos Olímpicos 1992 celebrados en Barcelona. 

Su gran silueta blanca y curva que representa a un atleta sosteniendo la antorcha olímpica se puede ver desde varios puntos de Barcelona.

Está realizada con acero y hormigón flexible . El fuste (parte de la columna que se encuentra entre el capitel y la basa) esta inclinado verticalmente 17 grados que coincide con el ángulo del solsticio de verano de Barcelona, lo que hace que la torre tambien tenga la funcionalidad de reloj de sol.

Tiene un estilo futurista de líneas inclinadas  y materiales modernos, esto hace que sea un hito arquitectónico de Barcelona.

Recomiendo visitarla a aquellos que les guste  la arquitectura moderna.

http://www.catalunya.com/torre-de-comunicaciones-de-montjuic-17-16003-573267?language=es

                                                          

                                              Santiago Calatrava.

Santiago Calatrava Valls nace en Benimamet, Valencia, el 28 de Julio de 1951.

Arquitecto, ingeniero civil y escultor.

Desde los ocho años estudió en la Escuela de Bellas Artes, donde comenzó a prepararse como dibujante y pintor. A los 13 años su familia lo envió a París a través de un intercambio estudiantil.

Cuando regresa a Valencia después de asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot en Valencia, inicia en  1969 la carrera de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, en la cual se gradua en 1973.

Se traslada a Suiza a estudiar Ingeniería civil en la Escuela Politécnica Federal de Zurich. Entre 1979 y 1981 se gradúa allí de Ciencias Técnicas con la tesis ¨Acerca de la plegabilidad de las estructuras¨. Trabajo tambien en dicha universidad como docente.

En 1981 abrió su primer estudio de arquitectura e ingeniería civil en Zurich. En 1989 abre otro estudio en París.

En 1989 se realiza la primera exposición monográfica de su obra en la Universidad de  Columbia de Nueva York, que seguirán una serie de exposiciones sobre su obra en todo el mundo.

Uno de sus primeros trabajos que le mereció el reconocimiento internacional fue la estación ferroviaria de Stadelhofen , Zurich, construida entre 1983 y 1990.

Su primer rascacielos ¨Turning Torso¨  en Malmo, Suecia, terminado en el 2005 en una estructura en espiral de 190 metros de altura.

En el año 2009 inaugura el puente Samuel Beckett en Dublín, Irlanda. 

Se le considera a Calatrava un arquitecto especializado en grandes estructuras.

Entre los trabajos de Calatrava se encuentran:

¨Torre Calatrava¨. Barcelona. (1989).

¨Puente de la Constitución¨. Venecia. (1999).

¨Museo de las Ciencias Príncipe Felipe¨. Valencia. (2000)

¨Turning Torso¨. Malmo, Suecia. (2001)

¨World Trade Center¨. Nueva York. (2016)

¨Dubai Creek Tower¨. Dubai. (2016).

Entre los premios que le han concedido a Santiago Calatrava se encuentran:

¨Premio Príncipe de Asturias¨de las Artes¨. (1999).

¨Premio Nacional de Arquitectura¨. (2005).

¨Premio Europeo de Arquitectura¨. (2015).

                                              

Erik el belga. Ladron de arte. ( Arte).

Erik el Belga.

Nombre completo: René Alphonse Van de Berghe.

Nacimiento: 1940 (Bélgica).

Ocupación: Ladrón de arte.

Para quienes no sepan quien es Erik el Belga, es el ladrón de mas de 6.000 obras de arte. Fue uno de los ladrones de arte más importante del siglo XX.

 En el año 2012 publicó sus memorias editadas por Planeta,¨Memorias por amor al arte¨.

En 1966 fue detenido cuando tenia la intención de robar en la Catedral de  El Burgo de Osma  (Soria, España). Fue detenido dos veces mas. 1) En 1976 fue condenado a 10 años de prisión  en la cárcel de Verviers, (Bélgica)  de la que se fugo poco tiempo despues. 2) En 1982 fue detenido y llevado a la Cárcel Modelo de Barcelona  en la cual llego a un acuerdo  con las autoridades de cambiar su libertad por la devolución de las obras robadas. Después de pasar 25 meses en la cárcel y 1500 obras de arte recuperadas salió en libertad, quedando absuelto de 14 juicios pendientes por robo al patrimonio histórico artístico.

Desde entonces vive en Málaga colaborando con la policía  a recuperar obras artísticas.

La autonomía española mas castigada por los robos de Erik el Belga son Castilla y Leon, tambien en otras zonas de España como Navarra, Aragon, La Rioja y algunas zonas de Cataluña.

Entre los robos mas importantes de Erik en España se encuentran las Tablas de Pedro Berruguete  en la Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava (Palencia), la Virgen de Revilla en Baltanás (Palencia), 

Erik nació en una pequeña región de Bélgica llamada Nivelles. Su madre era pintora, ella le inculco el amor al arte.

En los alrededores de su casa había un bosque en el que escondía camiones llenos de armamento, su hermana y el se dedicaban a traficar con el cobre de las armas.

En la escuela se enamoro de una joven de 25 años que iba a clase de pintura, el para acercarse a ella decidió tambien matricularse.

Años mas tarde hizo el servicio militar donde conoció a un español, le hablo especialmente de la costa andaluza.

Se inicio en Bélgica como anticuario, Los coleccionistas reclamaban obras que no habían pasado por sus manos, pero saben donde encontrarlas y seducían a Erik para robarlas. Su primer robo lo cometió con 25 años. De esta manera comenzó su andadura como uno de los mas importantes ladrones de arte del  Siglo XX.

Para el no era un robo. Era quitar la obra de un sitio y se las daba a personas que sabrían cuidar de ellas. Ya que en el sitio donde las quitaba no las restauraban adecuadamente y no le daban el valor que merecía la obra.

Robó mas de 52 museos, pero no solo robaba sino que tambien era falsificador. Robaba una obra y ponía en su lugar la obra falsificada.

Su gran debilidad eran las vírgenes goticas.

Una de las obras robadas fue ¨El retablo de San Miguel de Aralar la robo en Navarra y la vendió en 1976 a un millonario coleccionista mexicano por 100 millones de pesetas..

Entre otras afirmaciones en su memorias  dice que le habría encantado robar la repica de la Gioconda del Museo del Prado, que era mucho mejor que la del Louvre en todos los conceptos. Ademas que la Gioconda del Louvre es falsa, ya que la original fue robada en 1911. Que al principio la policía sospecho del joven Pablo Picasso, pero según palabras de Erik el Belga Picasso no fue.

También confiesa que hizo el amor en un museo con su novia en la cama de Carlos V-

Erik el Belga ni se disculpa, ni pide perdón.

Actualmente vive en Málaga con su mujer Nuria Van Den Berghe cuyo nombre real es Nuria Gutierrez. Es una abogada malagueña que fue quien le ayudo a salir de la cárcel.

https://www.lavanguardia.com/lacontra/20120312/54267849141/erik-el-belga-he-dormido-con-muchas-virgenes-goticas.html

                                 

                                            Retablo de San Miguel de Aralar.

                                                

          

Fuente Stravinsky. Niki de Saint Phalle. (Arte).

                                    Datos de la obra.

Título original: Fontaine Stravinsky.
Título en castellano: Fuente Stravinsky.
Escultora: Niki De Saint Phalle, Jean Tinguely
Tamaño: 580 metros.
Año de creación: 1981.
Fecha de inauguración: 16 de Marzo de 1983
Ubicación: Plaza Stravinsky, París, Francia.

                              Sobre la obra.

Esta fuente se encuentra en el barrio Beaubourg de París,junto al Centro Georges Pompidou.
Es un homenaje al músico Igor Stravinsky.
Es una pieza escultórica móvil decorada con artefactos mecánicos negros y coloridas esculturas.
Las maquinas negras son del artista Jean Tinguely y las esculturas fueron creadas por Niki de Saint Phalle. El conjunto de esculturas evocan obras del músico como ¨La consagración de la primavera¨o¨El pájaro de fuego¨.
En 1981 el alcalde de París de aquel momento Jacques Chirac anunció públicamente la construcción de la obra.
Fue inaugurada el 16 de Marzo de 1983.
Esta fuente esta formada por un estanque de 36 metros de largo y 16.5 metros de ancho donde se encuentran 16 esculturas que giran, de las cuales siete son de acero y aluminio pintadas en negro que son obra de Jean Tinguely,otras seis son de poliéster  coloreado sobre estructuras de acero que son obras de Niki de Saint Phalle y las tres obras restantes fueron realizadas por los dos artistas en conjunto.
Durante la época invernal se retira el agua de la fuente para que no se convierta en hielo.
¨ La Fuente de Stravinsky es un universo de movimiento y color.
Para los que vivan y viajen a Paris les recomiendo que no dejen de visitarla.


http://www.entre88teclas.es/blogs/a-de-peregrinaje/186-fuente-igor-stravinsky-paris



                                 

                         Niki de Saint Phalle.


Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phale, conocida como Niki de Saint Phalle, nace en Neuilly -sur Seine , Altos del Sena, Francia el 29 de Octubre de 1930.
Fue una escultora, pintora, cineasta y modelo durante su adolescencia para revistas como Vogue, entre otras.
Hija de André Marie Fal de Saint Phalle y de  Jeanne Jacqueline.
La familia se traslado de Francia a Estados Unidos en 1933 . Niki estudio en un internado de monjas hasta que fue expulsada por pintar de rojo los genitales de una estatua del colegio.
En 1941 se caso con el poeta Harry Mathews..En el año 1952 el matrimonio se trasladó a París.
En 1953 Niki sufrió una crisis psicológica, le diagnosticaron esquizofrenia y fue tratada con electroshocks.
Pasada la crisis se fue adentrando mas en el arte. En 1960 abandonó a su marido. Conoció al escultor suizo Jean Tinguely con el que se mudo al barrio Montparnasse . En esa época conoció a varios intelectuales  como Sartre. Se casa con Jean Tinguely en 1970.
Entre sus obras mas importantes se encuentran:
Serie de obras ¨Nanas¨(1960).
¨Crucifixión¨. (1963).
¨Hon¨.(Ella en sueco). (1966).
¨La Fuente Stravinsky¨. (1981).
¨El jardín del Tarot¨        (1998).

En sus ultimos años Niki sufrió crisis de enfisema, artritis y asma.
El 30 de Agosto de 1991 muere Jean Tinguely  en Berna.
Niki  muere el 22 de Mayo del 2002  en la Jolla , California, Estados Unidos, de enfisema pulmonar.